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唯美艺术经典的学院派有什么样的发展过程？

   17世纪至18世纪的艺术是文艺复兴之后的艺术，从巴洛克到罗可可都打破了文艺复兴的程式，为迎合宫廷贵族享乐的需求，极力表现生活的欢乐，表现剧烈的动势，表现戏剧性。然而从古代希腊罗马开始，到文艺复兴时期确立的古典主义风格并没有因此而消失殆尽，它仍然作为艺术的一部分存在着。
  它的继承和保护是与卡拉奇学院派分不开的。

到了19世纪晚期，学院艺术风行整个欧洲，学院艺术的展览很频繁，1903年开始的巴黎沙龙，这次展览吸引了国内和外国的参观者，使得画家的画作被越来越多的人认识和认可并被收藏，有的画家被选入皇家美术学院成为有生活保证的画家。
   德国美术史家尼古拉·佩夫斯纳指出：“美术学院在16世纪兴起，至路易十四时代臻于顶峰，到了1750年之后迅速普及，其原因在于普遍的文明史，特别是社会运动史之中。”在欧洲，随着行会的消失，进入美术学院逐渐成为想要从事艺术创作的人接受艺术训练的惟一途径。
  学院创立的初衷就是研究古代大师为什么能够创作出伟大艺术品，揭示其中所包含的艺术规律。

在不断的发展过程中，美术学院逐渐确立了以人体素描训练为基础，对学生造型能力进行培养的教学模式，这种模式一直延续到了20世纪。其实美术学院的教学理念并非一成不变，在学院内部也曾经爆发过重视造型的普桑派和重视色彩的鲁本斯派之间的争论，最终以鲁本斯派获胜而告终。
  这些争论实际上与当时文化界在美学思想上的冲突有关，美术学院成了欧洲审美文化的最终实践者。 。